18 نوامبرمدرسه هنرهای تجسمی (مسکو) شما را به یک سخنرانی اختصاصی دعوت می کند عکاس معروف، متصدی، مورخ عکاسی Alexander KITAEVA در چارچوب عنوان جدید مدرسه # PITERPHOTOFEST-2018. ادامه*.
موضوع سخنرانی الکساندر کیتایف: "PHOTOMANIA. تغییر از یک اتاق نشیمن شیک به یتیم خانه رازنوچین.
شروع کنید 15. 00
ما در مورد بیماری همه گیر عکاسی که به معنای واقعی کلمه تمام بشریت را در قرن اول اختراع عکاسی فرا گرفت، یاد خواهیم گرفت و معنای تحت اللفظی کلمات را درک خواهیم کرد: "فتومانیا"، "کارتومانیا"، "شیدایی آلبوم" یا حوادث "ریشه در قرن 19.
الکساندر کیتایف: "نقاشی نور، که امیدهای زیادی برای تبدیل شدن به یک هنر جدید داشت، از دهه پنجاه قرن نوزدهم جاه طلبی های خود را فروتن کرد و با توجه به نیازهای روزمره مردم عادی، خود را محکم در عنوان یک صنعت تثبیت کرد. از قدیم الایام، در کنار نماینده کلیسا، که تشریفات خانوادگی را تقدیس می کرد، جدید بازیگر- عکاسی که این رویدادها را پوشش داده است. مقدسات آیین کلیسا و تصویر اسرارآمیز نقاشی نور در آلبوم خانوادگی ادغام شدند و پایه و اساس ساختن شجره نامه خود را، مشابه درخت شجره نامه ای که قبلاً امتیاز انحصاری اشراف تلقی می شد، پی ریزی کردند. همان، به عنوان دلیلی بر دخالت او در امور سیاسی و زندگی عمومیکشورها، همراه با عکس هایی که مراحل زندگی خانوادگی را به تصویر می کشند، پرتره های افراد مشهور شروع به همزیستی کردند. این پدیده در تاریخ عکاسی «کارتومانیا» یا به عبارتی «آلبوم مانیا» نامیده می شود. که، با این حال، جوهر را تغییر نمی دهد - جمع آوری پرشور کارت های عکاسی و قرار دادن آنها در آلبوم های خانگی شخصیت یک بیماری همه گیر را به دست آورده است.
شادوگرام، رایوگرام، فتوگرام ... این لیست را می توان با ذکر یک نام دیگر ادامه داد: عکس کیتایف. در اواخر دهه 1980، یا بهتر است بگوییم، در سال 1989، الکساندر کیتایف عکاسی بدون دوربین را "کشف" کرد. معلوم شد که اگر یک شی را روی کاغذ حساس به نور قرار دهید و یک نور روشن را روشن کنید، یک تصویر غیرعادی دریافت می کنید که فقط تا حدی شبیه خود شی است. اما اگر اکثر پیشینیان مشهور او با خطوط و شبح های ساده کار می کردند، الکساندر کیتایف شروع به آزمایش شیشه های حجمی و کار با پرتوهای نور مانند یک قلم مو کرد. نور به اصلی ترین چیز در ساخته های او تبدیل می شود. نور واقعیت جدیدی ایجاد می کند که چشم را به خود جذب می کند و شما را به سفر در اعماق خود دعوت می کند و اشیا بسته به میزان پر شدنشان از نور معنا و اهمیت پیدا می کنند. و در اینجا شما نیاز به نگاه درخشان هنرمندی دارید که،
به عنوان یک "کریستال جادویی"، یک "تغییر" جادویی در درک جهان ایجاد می کند.
I. G.: الکساندر، عکاسی برای شما چگونه شروع شد؟ چه چیزی شما را به انجام این کار ترغیب کرد؟
الکساندر کیتایف: چندین پیام برای این وجود داشت. بیایید با چیزی شروع کنیم که ممکن است در نگاه اول نسبتاً پیش پا افتاده به نظر برسد. دوربین مورد علاقه من، که با آن ژست های هنری ام را انجام می دادم، شروع به مردن کرد - همه اندام های حیاتی آن تحت تأثیر زمان شروع به خراب شدن کردند. در آن زمان در یک کارخانه به عنوان عکاس کار می‌کردم و تجهیزات دولتی زیادی داشتم، اما برای اهداف دولتی با دوربینم هم کار می‌کردم، زیرا خیلی بهتر بود: تصویر بهتری می‌داد، لنزهای بهتری وجود داشت. شاتر بهتر و غیره
بنابراین کار با دوربین بیمار روز به روز سخت تر می شد و فرصتی برای دستیابی به ساز جدید وجود نداشت. زندگی خلاقانه فعال من مستلزم یافتن راه مناسبی بود و تصمیم گرفتم بدون دوربین عکاسی کنم.
یکی دیگر از دلایلی که من را بر آن داشت تا عکاسی را انجام دهم، تمایل به ترک صنعت سودمند بود. من تفکر انتزاعی و آزادی از تصویر واقعی عکاسی می خواستم.
I. G.: آیا با تصاویر مشابه ساخته شده توسط پیشینیان خود آشنا بودید؟ آیا در ابتدا سعی کردید کسی را تکرار کنید یا بلافاصله شروع به انجام کاری از خودتان کردید؟
الکساندر کیتایف: وقتی با این عکس گیر کردم، کنجکاو شدم چه کسی، کی و چگونه چنین کاری را انجام داده است. بنابراین من یاد گرفتم که اولین تصاویر عکاسی در روسیه "تصاویر نور" بودند - چاپ تماسی از برگ های گیاه که در پایتخت پترزبورگ توسط گیاه شناس آکادمی علوم امپراتوری یو.اف.فریتزچه بر روی مواد حساس به نور ساخته شده در سال 1839 توسط یکی به دست آمد. از پدران عکاسی - فاکس تالبوت. در دهه 1920، لازلو موهولی-ناگی، نماینده مدرسه هنری معروف باهاوس، تلاش کرد تا با استفاده از عکاسی، و نه اسناد، تصاویر هنری خلق کند، همانطور که در زمان خود انجام می شد. در همان سال ها، هنرمند مشهور روسی الکساندر رودچنکو، که عکس هایش در نشریات بسیار نادر است، و هم عصر او، خالق آوانگارد روسی، گئورگی زیمین، که دیدن آثارش نیز دشوار است، زیرا بیشتر در مجموعه های خصوصی خارجی، به عکاسی مشغول بودند.
البته، من کار با برگ را امتحان کردم، همه آن را امتحان کردند، و اولین عکس های من بسیار ساده بودند. اما به سرعت متوجه شدم که علاقه ای به ساختن عکس سیلوئت ندارم، علاقه ای به ساختن برخی از تصاویر قابل تشخیص از این سیلوئت ها (مثلاً پرتره هایی از گیره های کاغذ) ندارم. می‌خواستم بدون تکیه بر جسم و خطوط وسواس‌آمیز آن، کاملاً «گره‌ها» را باز کنم و از فضا و زمان تصاویری بسازم.
برای من، فتوگرام جایگزین طبیعت بی جان شد، کاری که هرگز انجام ندادم. من ترکیباتی از اشیاء شفاف یا نیمه شفاف ساختم و سعی کردم تعامل آنها را با یکدیگر و با فضا ببینم.
I. G.: وقتی از طریق یک بطری شیشه ای به دنیای فانتزی نگاه کردید، چه احساساتی را تجربه کردید؟
الکساندر کیتایف: برای من این یک سرگرمی مطلق بود، زیرا تصاویر فتوگرام من هیچ ارزش کاربردی نداشتند، برخلاف باهاوس یا رودچنکو، که از عکس‌هایشان در طراحی کاربردی برای ایجاد جلد، پوستر و غیره استفاده می‌شد. این یک بازی آزادی بود، من خلق کردم. فضا، احساس می کردم یک دمیورژ هستم.
با کار با اشیاء آشنا، دیدم که چگونه یک جوهر نامرئی از آنها بیرون می آید، چقدر زیبا هستند، چگونه می خواهند از آنها عکس بگیرند (به گفته بودریار).
IG: چرخه‌های شما چگونه تکامل یافتند، بالاخره اینها سریال‌ها نیستند، بلکه چرخه‌هایی هستند که می‌توانند بی‌نهایت طول بکشند و به تدریج تکمیل شوند؟
الکساندر کیتایف: به همین دلیل است که من آنها را چرخه نامیدم. باید اعتراف کنم، من همیشه این کار را انجام ندادم. زمانی که یک ماه یا یک ماه در دنیای عکس غوطه ور بودم
دو، گرفتن عکس مستقیم غیرممکن بود - من همه در این فضا بودم. بعد زندگی واقعیمن را از این حالت بیرون کشید و مجبورم کرد دوباره به عکاسی کاربردی بپردازم. اولین چرخه فرموله شده را "ظرف ناشناس" یا به عبارت ساده تر "ظرف ناشناخته" (1989-1990) نامیدم، که در آن امکانات پلاستیکی، برش، ترکیبی و دیگر ظروف شیشه ای را بررسی کردم، سپس به آن عادت کردم. و از نزدیک به اشیا نگاه کرد.
برای اینکه بفهمم چگونه با این یا آن ظرف کار کنم، در ابتدا حتی شروع به ساختن یک گالری از پرتره های بطری ها، ظاهر نور درونی آنها کردم. نکته اصلی این بود که نور و نوردهی را به گونه ای انتخاب کنید که سیلوئت، هایلایت ها و ساختار داخلی جسم کار کند. چیزهای عجیبی معلوم شد. هنگامی که یک تابش خیره کننده به طور ناگهانی به بیرون از جسم پاشیده می شود، می فهمید که جسم نه تنها در فضای بسته درون خود زندگی می کند (مثلاً یک بطری)، بلکه مقداری مایعات، پرتوها را در همه جهات می تاباند، که من سعی کردم آنها را برطرف کنم.
I. G.: مدل های مورد علاقه شما چه بود؟
الکساندر کیتایف: بله، من به شیئی برخوردم که چندین سال است با آن کار می کنم. او در درون خود بسیار زیبا نقاشی می کرد، این پرتوها زندگی خودشان را می کردند، شما می توانید آنها را در چند ترکیب خارق العاده شکار کنید. کوزه شکسته بود وقتی از کارخانه بیرون آمدم، برای برداشتن آن تنبلی کردم: به نظرم می رسید که این یک بن بست است، قبلاً کارهای زیادی با آن انجام شده بود. اما بعد از مدتی متوجه شدم که به شدت دلم برای او تنگ شده و جایگزینی برای او وجود ندارد.
IG: با دیدن یک شی، بلافاصله می توانید حدس بزنید که چه چیزی از آن خواهد آمد؟
الکساندر کیتایف: به طرق مختلف. گاهی اوقات احساس می کنم چه چیزی جواب می دهد و چه چیزی نه. گاهی اوقات، از ساده ترین و نامحسوس ترین بطری ها، تصاویر شگفت انگیزی به دست می آید، اما اشیاء به ظاهر زیبا و برازنده جالبی نیستند، یا من فقط نمی دانم چگونه از آنها به خوبی عکاسی کنم.
I. G.: آیا تکرارهای خود وجود داشته است و اجتناب از آنها چقدر دشوار بود؟
الکساندر کیتایف: دنیای انتزاع عکس برای من بی پایان به نظر می رسید، اما، با این وجود، بن بست های خود را دیدم و سعی کردم از شی دور شوم. عکس همیشه با مقیاس جسم دیکته می شود، شبح یک بطری نیم لیتری روی یک ورق 30x40 قرار می گیرد. وقتی دیدم که پرتوهای پراکنده از آن، که سعی می کنم آن را حفظ کنم، صفحه تصویر بسیار بزرگتری ایجاد می کند، برای من جالب شد که بیشتر کار کنم. در ابتدا، منبع نور من یک ذره‌بین بود، بعداً شروع به ساختن برخی از تأسیسات کردم که به من اجازه می‌داد یک شی را تغییر دهم و تصاویر بسیار بزرگتری از یک شی در همان مقیاس ایجاد کنم. برای این کار از عینک، آینه استفاده کردم. برای مثال، فتوگرام‌های متری از مخروط‌های کوچکی ساخته می‌شوند که با همه چیز مطابقت دارند: شبح‌ها، سایه‌ها، نقاط برجسته‌شان. سپس به این فکر افتادم که خود ورق کاغذ حساس به نور را برای ایجاد یک نقاشی متفاوت تغییر دهم. کاربرد
تونینگ و استفاده از انواع مختلف کاغذ عکاسی نیز فرصت های بیشتری را برای ایجاد تصاویر منحصر به فرد فراهم کرد.
IG: آیا چرخه های فتوگرام شما به نوبه خود ایجاد شده اند یا متقاطع شده اند؟
الکساندر کیتایف: البته این کار را کردند. برای من یک بازی ناب بود. در تمام مدت چیز جدیدی به ذهنم رسید. به عنوان مثال، او شروع به ایجاد تصاویر کرد و ورقه هایی از مواد حساس به نور را با یک توسعه دهنده ریخت.
شیمی شناسی - این نام این فرآیند است - یک تجربه بسیار هیجان انگیز است! تقریباً در یک نفس، تصاویر نقاشی عکس را ایجاد کردم که متعاقباً به دو چرخه تبدیل شد: "اولین روزهای آفرینش" و "گوش دادن به موسیقی" (1990-1991). "ولگردی و شکنجه" در شیمی نگاری مدت زیادی طول کشید و یک سال و نیم عکس را تحت فشار قرار داد تا اینکه ظاهر شد. ایده ی جدید... در آن سال ها یک آلبوم بسیار گران قیمت روسی-آمریکایی «عکس های زمین از فضا» خریدم. من زمین را دیدم و متوجه شدم که همان ساختارها و بافت ها را در اشیای شیشه ای خود می بینم. بود
بسیار جالب است، فضا باز شده است. سریال های «بروج فراموش شده» و «مناظر» (1994-1995) اینگونه متولد شدند.
هنگامی که سعی کردم منابع نور را تغییر دهم، آنها را در داخل یا در هر نقطه ای از سطح جسم قرار دهم، دوباره یک شگفت انگیز دیدم.
تصویر به شیئی برخوردم که در خلال چنین آزمایشاتی ناگهان شروع به ارائه برخی تصاویر فیزیولوژیکی با رنگهای اروتیک کرد. این تصاویر چرخه دیگری را ایجاد کرده اند که من آن را "بازی بطری" (1994) می نامم.
چنین عکس هایی نیز وجود داشت که من خیلی دوستشان داشتم، اما مستقیماً در این یا آن چرخه قرار نمی گرفتند. و من برای آنها نامی پیدا کردم: سفرهای نور. اساساً، تمام فتوگرام ها سفرهای نور هستند. این چرخه به اندازه کافی بزرگ است و می تواند دائماً به روز شود.
I.G.: فتوگرام با زیبایی شناسی منحصر به فرد و امکانات ترکیبی بی حد و حصر، شاید با هیچ کدام مطابقت نداشته باشد.
ژانر عکاسی آیا می توان آن را به نوع خاصی از هنرهای زیبا نسبت داد؟
الکساندر کیتایف: با کار با فتوگرام، مطالعه کردم قوانین عمومیهنرهای زیبا، فقط برای من راحت‌تر بود که آن را روی کاغذ عکاسی انجام دهم. برای من غیرمنتظره‌ترین چیز بود که تلاش‌های من برای تمرین بر روی فرم‌های جدید منجر به تغییر در درک جهان و ایجاد تصاویری دور از عکاسی شد. من از تفسیر کنجکاو مفاهیم "نقاشی نور" و "عکاسی" توسط V. T. Grünthal در کتاب "Photo Illustration" خوشم آمد. نقاشی نور. دگرگونی. فتومونتاژ». نگارنده با اشاره به اینکه کلمه "نقاشی نور" ترجمه دقیقی از کلمه "عکاسی" است، علامت مساوی بین آنها قرار نداده، بلکه معتقد است که عکاسی تنها یکی از موارد خاص عکاسی است. او با توسعه این ایده نوشت: «به دست آوردن یک تصویر با کمک نقاشی نور ممکن است نیازی به سیستم های نوری لازم برای عکاسی نداشته باشد. با گذراندن مسیری چند صد ساله، نقاشی نور همچنان در آن قابل اجرا است
فرم بکر و خالص، اما در حال حاضر با استفاده از دستاوردهای فنی، که توسط عکاسی تولید شده توسط آن معرفی شده است. بنابراین، به گفته گرونتال، هر آنچه که «با مداد طبیعت» نوشته می‌شود، همانطور که تالبوت اختراع خود را تعیین کرد، در زمان‌های بسیار قدیم به دو جهت تقسیم می‌شد: نقاشی نور به عنوان یک هنر ناب و عکاسی به عنوان مهارت کاربردی.
I.G.: عکس های شما همیشه باعث می شوند طیف وسیعاحساسات از سوء تفاهم و حتی طرد شدن تا لذت کامل. آیا ممکن است که
تا به نوعی به بیننده نافهم کمک کند و آیا انجام این کار ضروری است؟
الکساندر کیتایف: هر فردی دارای توانایی ادراک است، اما همه از این توانایی مهارتی ایجاد نکرده اند. وارد کردن نوعی ادبیات به ترکیبات انتزاعی (برای این کار کافی است فقط چرخه ها را عنوان کنید و نه هر تصویر را جداگانه) ، اصلاً لازم نیست بیننده را مجبور به خواندن این ادبیات کنید. ارائه آزادی بیان هنری برای خواندن بسیار ارزشمندتر است.
I. G.: علیرغم این واقعیت که این عکس حتی امروز کمیاب و عجیب و غریب باقی مانده است، اما سرگرمی تعداد کمی از طرفداران غیر معمول و غیرقابل پیش بینی است.
خوشبختانه بازی ها خبره چنین خلاقیتی هستند. آیا حیف است از یک اثر بی نظیر که تیراژ ندارد جدا شویم؟
الکساندر کیتایف: اگر من کارم را منتشر کردم، قبلاً زندگی مستقل خود را دارد و عمر آن بسیار طولانی تر از من است. در صورت قدردانی و خرید - خوب است.
الکساندر کیتایف در سال 1952 در لنینگراد به دنیا آمد. او به عنوان عکاس در یک کارخانه کشتی سازی (1978-1999) کار کرد. او تحصیلات اولیه عکاسی خود را در باشگاه عکس VDK و در دوره های عکاسی خبرنگاران خانه روزنامه نگاران دریافت کرد. از سال 1975 او به طور فعال درگیر خلاقیت بوده است فعالیت های نمایشگاهی- نویسنده 35 نمایشگاه شخصی و شرکت کننده در بیش از 70 نمایشگاه گروهی در روسیه و خارج از کشور. عضو اتحادیه هنرمندان عکس روسیه (1992). عضو انجمن "Photopostscriptum" (1993). عضو اتحادیه هنرمندان روسیه (1994). این آثار در مجموعه های دولتی و خصوصی روسی و خارجی هستند. او در حال حاضر به عنوان عکاس آزاد کار می کند.
نمایشگاه های شخصی
1988
"شهر بدون کوماچ". فروشگاه-سالن "نوسکی، 91"، لنینگراد
1991 "بازی با فضا". شرکت طراحی "Sosnovo"، لنینگراد.
1994
"پسستریوری". "PS-Place"، سن پترزبورگ. (K)
"ثابت ها". سالن نمایشگاه منطقه Moskovsky، سنت پترزبورگ (کاتالوگ)
"ترفندهای ورتومنوس". استودیو "مدفوع"، سن پترزبورگ
1995 "داخلی سفید". "باغ طلایی". انتشارات "LIMBUS-PRESS"، سنت پترزبورگ
1996 "PHOTOSYNKYRIA 96". نهمین نشست بین المللی تسالونیکی، یونان
"آلبوم پترزبورگ". گالری "دهکده قدیمی"، سن پترزبورگ
"از درون نگاه کن" (FOTOFAIR'96). سالن نمایشگاه مرکزی "مانژ"، سن پترزبورگ
پترزبورگ از نگاه وبو دی یانگ، آمستردام از نگاه الکساندر کیتایف. Nieuwe Kerk، آمستردام؛ سالن نمایشگاه مرکزی "مانژ"، سن پترزبورگ.
"تصاویر کوه مقدس". KODAK Pro-Center، سن پترزبورگ.
نمایشگاه های گروهی
1988 "... شهری آشنا به اشک." نمایشگاه-اقدام انجمن "جامعه هنرمندان عکس"، لنینگراد - مسکو.
1989
"سلاح خنده." نمایشگاه عکس سراسری، آرماویر (ک)
چهارمین دوسالانه عکاسی تحلیلی. یوشکار اولا، چبوکساری (ک)
1993 "نمایشگاه سالانه اتحادیه هنرمندان عکس روسیه". خانه مرکزی هنرمندان مسکو
"Photopostscriptum". موزه روسیه، سنت پترزبورگ (K)
1994-96 «خودشناسی. جنبه های هنر سن پترزبورگ دهه 1970 - 1990. کیل، برلین، اسلو، سوپوت، سنت پترزبورگ
1995 "آخرین هنر عکاسی از روسیه." فرانکفورت، دوسلدورف، کارلسروهه، هانوفر، گرتن، آلمان.
1997 "پترزبورگ 96"، سالن نمایشگاه مرکزی "مانژ"، سن پترزبورگ
رویای شمالی (نمایش عکس CD-ROM) در سلام، جشنواره پترزبورگ، مرکز مالی جهانی، نیویورک، ایالات متحده آمریکا
"پنجره ای رو به هلند" مرکز نمایشگاهاتحادیه هنرمندان، سنت پترزبورگ؛ گالری لیلی زاکیرووا، هسدن; سالن نمایشگاه De Waag، Lesden; هنرستان گرونینگن، گرونینگن؛
"رله عکس: از رودچنکو تا امروز"، گالری شهرداری "A-3"، مسکو؛
"100 عکس از سنت پترزبورگ"، کتابخانه به نام V.V. مایاکوفسکی، سن پترزبورگ؛ روسی مرکز فرهنگیپراگ
"پروژه. پرتاب به جلو "، مرکز نمایشگاه اتحادیه هنرمندان، سنت پترزبورگ (کاتالوگ)؛
«عکاسی جدید از روسیه»، گالری گری ادواردز، واشنگتن، دی سی، ایالات متحده؛
"نمایشگاه آثار استودیوی ملی عکس" VDK "، کاخ فرهنگ Vyborg، سن پترزبورگ.
"تغییر مکان. از لنینگراد تا سن پترزبورگ "، موزه F. M. Dostoevsky, St.
برج بابل، گالری کالج هنر، سن پترزبورگ؛
"Container INCOGNITA"، موزه F. M. Dostoevsky، سنت پترزبورگ
مجموعه ها
موزه دولتی روسیه، سنت پترزبورگ
موزه ایالتی تاریخ سنت پترزبورگ، سن پترزبورگ
موزه مجموعه های عکاسی، مسکو
مرکز تحقیقات بشردوستانه گری رانسون، آستین، تگزاس، ایالات متحده آمریکا
بنیاد ناوبری، بوستون، ایالات متحده
بنیاد مندل کاسیر، آنتورپ، بلژیک
مجموعه رستوران "وین"، سنت پترزبورگ
مجموعه بنیاد فرهنگ آزاد، سنت پترزبورگ
مجموعه انتشارات "LIMBUS-PRESS"، سنت پترزبورگ
بانک امپریال، سن پترزبورگ
پل زیمر، اشتوتگارت، آلمان
هربراند، کلن، آلمان
و سایر مجموعه های خصوصی در آلمان، فنلاند، یونان، هلند، ایالات متحده آمریکا و روسیه.
منبع http://www.photographer.ru/resources/names/photographers/26.htm
درباره کتاب الکساندر کیتایف "نور سن پترزبورگ در عکس های کارل دوتندی"
دیمیتری سوریوخین
الکساندر کیتایف
نور سن پترزبورگ در عکس های کارل دوتندی
SPb، "رستوک"، 2016 - 204 ص. (سریال PHOTOROSSIKA)
شابک 978-5-94668-188-9
جهت خرید و توزیع با شماره زیر تماس حاصل فرمایید
[ایمیل محافظت شده],
[ایمیل محافظت شده];
www.rostokbooks.ru
کتاب عکاس معروف سن پترزبورگ، متصدی، مورخ عکاسی الکساندر کیتایف در مورد مراحل مختلف زندگی و کار پیشگام برجسته عکاسی کارل داوتندی می گوید که اولین برداشت های عکاسی قابل اعتماد را از نمایندگان اقشار بالا ایجاد کرد. جامعه روسیه.
مخاطب این کتاب طیف وسیعی از خوانندگان علاقه مند به تاریخ عکاسی و فرهنگ سن پترزبورگ است.
نام پیشگام عکاسی کارل دوتندی نه تنها کمی شناخته شده است عموم مردماما برای متخصصان، در این میان، 19 سال از زندگی و کار دوتندی در پایتخت امپراتوری روسیه سپری شد و او در خاستگاه عکاسی روسی ایستاد. بدون برشمردن دلایل وضعیت فعلی، ما فقط به یکی اشاره می کنیم - تقریباً در تمام قرن بیستم، ساختار دولتی روسیه، به بیان ملایم، به مطالعه فرهنگ پیش از انقلاب کمکی نکرد. و در نتیجه، لایه عظیمی از اسناد و مطالب در مورد تاریخ عکاسی روسی تسلط و توصیف ضعیفی نداشت. تا به حال، تقریباً تنها منبع دانش در مورد زندگی و کار این عکاس، زندگی نامه پسرش، هنرمند و شاعر مشهور آلمانی ماکس داوتندی بود که هرگز به زبان روسی منتشر نشد. و اکنون در 204 صفحه از کتاب الکساندر کیتایف، عکاس و مورخ عکاسی مشهور روسی، برای اولین بار بیوگرافی دقیق و تایید شده یک نقاش نور را می خوانیم که توسط اسناد تأیید شده است. علاوه بر این، بیش از 170 گنجینه عالی عکاسی کمیاب ارائه شده توسط مجموعه‌های دولتی داخلی و خارجی و همچنین مجموعه‌داران خصوصی در روسیه و آلمان را بازتولید کرد. در اینجا نویسنده ده ها سند مربوط به دوران اولیه عکاسی روسی را منتشر کرده است. 
زندگی پر فراز و نشیب کارل دوتندی هیجان انگیز است. او در ساکسون کوچک Aschersleben متولد شد. در سال 1839، سالی که عکاسی متولد شد، پدرش را از دست داد و مکانیک بینایی سنجی را آموخت. در سال 1841 او یک دوربین ابسکورا در لایپزیگ خرید و با تسلط مستقل بر داگرئوتایپ، وارد مسیر یک پرتره پرتره حرفه ای پر از خطرات تجاری و رقابت شد. در سال 1843، هنرمند تازه مسلمان شده پرتره‌های داگرئوتیپ از دوک لئوپولد دساوسکی و خانواده‌اش ساخت. در همان سال، ساکسون 24 ساله با دریافت نامه ای به امپراتور روسیه، وارد سن پترزبورگ شد. به زودی او به یکی از بهترین نقاشان داگرئوتیپ در پایتخت تبدیل شد و در سال 1847، قبل از بسیاری از همکارانش، داگرئوتیپ را کنار گذاشت و به یک فناوری عکاسی امیدوارکننده بر اساس روش تالبوت روی آورد. ساختن پرتره از نمایندگان اقشار بالای جامعه روسیه تا آغاز دهه 1850. استاد مبتکر جایگاه پیشرو در دنیای عکاسی سن پترزبورگ را به خود اختصاص داد. در اواسط دهه 1850، پس از اختراع فناوری کلودیون و یک صفوف کلی به اصطلاح. " کارت بازرگانیاو دوباره nosobitsu - اولین کسی که در روسیه فوتولیتوگرافی را معرفی کرد، از بهترین نمایندگان فرهنگ روسیه عکس گرفت و پرتره های آنها را از طریق مجلات و سالن های هنری توزیع کرد. در سن پترزبورگ داوتندی دو بار ازدواج کرد. همسر اول که چهار دختر به دنیا آورد، خودکشی کرد. همسر دوم سن پترزبورگ پسرش را در اینجا به دنیا آورد. در سال 1862، شرایط خانوادگی و تجاری به گونه ای پیش رفت که عکاس مجبور شد روسیه را ترک کند و در باواریا در وورزبورگ ساکن شود، جایی که فراز و نشیب های جدیدی در انتظار او بود. در اینجا، با شروع یک تجارت از صفر، و خود را "عکاس سن پترزبورگ" می نامید، او دوباره به یک چهره نگار برجسته و یک فرد ثروتمند تبدیل شد. در دوره زندگی آلمانی‌اش، همسر دومش به دلیل بیماری صعب‌العلاج درگذشت و پسر دیگری به دنیا آورد، فرزند اولش خودکشی کرد و پسر کوچک‌ترین پسرش که قاطعانه از ادامه کار پدرش امتناع کرد، همانطور که قبلاً ذکر شد تبدیل به یک پسر شد. شاعر و هنرمند 
کتاب کیتایف «نور سن پترزبورگ در عکس‌های کارل دوتندی» چیزی بیش از زندگی‌نامه یکی از اولین عکاسانی است که در پایتخت امپراتوری روسیه کار کرده است. نویسنده که خواننده را در فضای اجتماعی نیکلاس و سپس پترزبورگ پس از اصلاحات غوطه ور می کند، با جزئیاتی از آغاز عکاسی در روسیه و اروپا می گوید، هم محیط حرفه ای استاد و هم محیط روانی را نشان می دهد که در آن پیشگامان عکاسی باید عمل می کردند. این کتاب به زبانی واضح نوشته شده است و کاملاً با مصنوعات درجه یک عکاسی اولیه به تصویر کشیده شده است.
آثار باشکوه کارل دوتندی بیش از 150 سال است که در دست فراموشی بوده و اکنون رستاخیز واقعی خود را جشن می گیرند. کتاب الکساندر کیتایف نه تنها زندگی شگفت انگیز و میراث عکاسی پیشگام عکاسی را روشن می کند، بلکه تاریخچه دوم را نیز می سازد. نیمی از قرن نوزدهمقرن.
دیمیتری سوریوخین،
دکترای هنر، استاد
حوصله نداشتند
تفسیر الکساندر کیتایف
از زمان انتشار آن در سال 1839، نقاشی نور به سرعت شروع به تسخیر جهان کرد. عکاسان در یک حرکت بی پروا و بی وقفه، یا در حال بالا رفتن از قله های صخره ای، یا شیرجه رفتن به اعماق اقیانوس، در یک زمان کوتاه تاریخی، کره زمین را به تصویر کشیدند، پس از آن به ورطه گیتی هجوم بردند و به طور فزاینده ای شروع به نفوذ کردند. کیهان روح انسان بازنقل شده برای بیش از دو قرن متوالی مجلات و روزنامه ها - "عکاسی در روزهای ما به کمال فوق العاده ای رسیده است" - کلیشه ای محو نشده از تیترهای مربوط به عملیات نظامی او. این حمله عکاسان در همه جبهه‌ها، در تمام عرصه‌های فعالیت بشری، به پایه‌های چند صد ساله هستی، با مدرن‌سازی و بهبود مستمر ابزارهای نورپردازی همراه (و همراه) بود و زرادخانه سیاستمداران و اقرارگران، دانشمندان و دانشمندان را چند برابر کرد. هنرمندان، رزمندگان و غیرنظامیان. با این حال، حتی امروز، آغاز این تهاجم بزرگ همه جانبه به خوبی شناخته نشده است. علیرغم بیانیه دیرینه بنیامین - "مه ای که منشأ عکاسی را در بر گرفته است هنوز آنقدر غلیظ نیست ..." - تلاش برای لمس چشمه کاملاً ابتدایی است و در نتیجه امروزه بسیاری از چهره های آوانگارد از پیشگامان عکاسی در اعماق سالهای بی رحمانه به سختی قابل مشاهده است. دلایل زیادی برای این وجود دارد و در اینجا اثری از آنها نیست، اما توجه به این نکته مهم است که رد ماهیت فنی هنر جدید شوخی ناخوشایندی با بشریت داشت: برای بیش از یک قرن، قابل اعتمادترین پناهگاهی برای پناهگاه ها در سال های اولیه عکاسی، تنها دفترهای ثبت و آلبوم های خانوادگی به راحتی آسیب پذیر بودند. البته تاثیر رنگ آمیزی نور به اندازه ماشین بخار، ساخت و ساز آشکار و قابل مشاهده نبود راه آهن، معرفی برق و هوانوردی، اما از بین تمام نوآوری های فنی ایجاد شده در "عصر آهن" و معاصران خیره کننده، فقط عکاسی این شانس را داشت که جایگاه یک موز دیگر را به دست آورد و به رقص گرد آنها بپیوندد. اما این اتفاق نیفتاد. 
آگوست رنوار که به عنوان یک نقاش پرتره سکولار فعالیت می کند، می گوید: «عکاسی نقاشی را از کارهای خسته کننده، در درجه اول از پرتره های خانوادگی رها کرد. به نظر امپرسیونیست برجسته، این یک اثر غم انگیز بود که به نقش دوتندی و اکثر اولین متخصصان عکاسی تبدیل شد. آنها حوصله نداشتند و فقط در نیم قرن اول وجود عکاسی، "رهبران خورشید" آلبوم های خانوادگی را با تعداد زیادی از تأثیرات پر کردند که همه نوآوران از همه کشورهای جهان با هم انجام نمی دادند. میلیون ها زمینی با کمال میل در مقابل پوسته های نورانی خود ظاهر شدند و ظاهر واقعی خود را برای آیندگان حفظ کردند. در این میان، ورود پرتره عکاسی به تمرین روزمره، به زندگی روزمره (منطقه برازنده یک تابو است!) به دور از مسالمت آمیز بود و گاه رد شدید بسیاری از روشنفکران را برانگیخت. در نیمه دوم قرن نوزدهم، "نوع جدید نقاشی" مورد توهین، تحقیر قرار گرفت، اما حتی یک بدخواه نیست که به سراغ عکاس نیاید تا پرتره او را حذف کند و سپس آن را با افتخار برای دوستان و بستگانش ارسال کند. . و با این وجود، از زمانی که "مردم خورشید را - زیبایی و نیروی محرکه جهان - را نقاش کردند" (بلغارین)، از غرور متخصصان زیبایی و غفلت فیلیستی، "تصاویر گرانبهای بی شماری از طبیعت" ناپدید شده اند. در مدت کوتاهی از نظر تاریخی، آثار نقاشی نور، شاید بیش از هر اثر فرهنگی دیگری از جنگ‌ها و انقلاب‌ها، آتش‌سوزی‌ها، سیل‌ها و دیگر بلایای طبیعی و انسان‌ساز از بین رفت.
برای من شکی نیست که کارل دوتندی یکی از چهره های کلیدی عکاسی در قرن نوزدهم است و مطالعه زندگی و مسیر حرفه ای او باعث شده است. اهمیت حیاتیبرای درک فرآیندهایی که در آن زمان در جامعه و در عکاسی اتفاق می افتد. استاد در خاستگاه نوع فعالیت مورد علاقه نسل بشر ایستاده بود و بیش از نیم قرن با عکاسی، تکثیر و بهبود آن زندگی کرد. در طول مسافتی که با هم سفر کردند، نقاشی نور از یک صفحه نقره تکامل یافت، که داگر بر روی آن پرتو خورشیدی را به تصویر کشید تا دنیای مرئی را به تصویر بکشد، تا کشف پرتوهای ناشناخته توسط مشتری Doutendey، Konrad Roentgen، که قادر به نقاشی نامرئی بر روی یک شیشه عکاسی حساس به نور بود. بشقاب.1 با این حال، اکثریت قریب به اتفاق تصورات ایجاد شده توسط Doutendey امروز از بین رفته است. کشورهای مختلف... (اما مورد آخر مایوس کننده نیست، زیرا بین المللی گرایی یک ویژگی کلی عکاسی است.) در چنین موقعیت آغازینی، کار برای بازسازی زندگی نامه پیشگام آغاز شد. 
فشار اعمال شده توسط کارل دوتندی عملی بر فرزندان عاشقانه اش چنان قدرتمند بود که با همراهی "پسر ولخرج" در سفرهایش در سراسر جهان، او را برای سال های طولانی تعقیب کرد. شاید تنش تنها زمانی فروکش کرد که کتاب «روح پدرم» از قلم نویسنده جوان و مشهور، مکس دوتندی منتشر شد. ماکسیمیلیان در آن، با کنار گذاشتن قافیه‌های سرگردان مورد علاقه‌اش، به طور مشخص و با استعداد داستان‌های پدرش را که از کودکی درباره اولین تجربه‌هایش در عکاسی شنیده بود، مشکلاتی که در روسیه پیشی گرفته بود و میل پرشور اما بیهوده‌اش برای انتقال آثار زندگی‌اش به زندگی‌اش بازگو کرد. دست پسران علاوه بر این منبع ارزشمند، ما یک گنج دیگر به نویسنده مدیونیم: او که زندگی خود را در سرگردانی های مداوم گذرانده بود، با معجزه ای موفق شد آرشیو پدرش را حفظ کند که بخشی از آن بعدها به عنوان بخشی از بایگانی شهرداری وورتسبورگ به پایان رسید. به هر حال، مجموعه‌های پرتره‌های عکاسی خانوادگی در طول زندگی زمینی اولین صاحبان خود و همچنین در طول زندگی نسل اول وارثان، هیچ علاقه عمومی را برانگیخت و کارکردی را به همراه داشت. از حافظه منحصراً خانوادگی (و این تفاوت آنها با یک پرتره تصویری است.) فقط در قرن بیستم پرتلاطم اروپا، با نوه ها و نوه ها، بسیاری از بایگانی های خانوادگی به طور غیرارادی به صندوق های موزه ختم شد، و سپس فقط به عنوان یک ماده کمکی مفید و مصور برای برخی معین. مطالعات در زمینه فرهنگ مادی
و در اینجا نمی توان به تفاوت آلبوم خانوادگی یک مشتری معمولی و آرشیو خود عکاس توجه نکرد. و در هر دو: چهره های عزیز، اما اگر در اول - نمونه های تمام شده و پرداخت شده از کار شخص دیگری باشد، نویسنده - مجری آنها چیز دیگری دارد. هر عکاسی می‌داند که فقط عکس‌هایی که «برای خودشان» و «برای خودشان» گرفته می‌شوند، و نه برای یک مشتری دمدمی مزاج، مطمئن‌ترین کلید برای درک آرزوها، جستجوها و روش‌های کار یک همکار است. چه کسی، اگر نه نزدیکترین اقوام و دوستان، می تواند با صبر و حوصله تمرینات یک نقاش سبک را که با فروتنی و درک لازم بر نوآوری ها تسلط دارد، تحمل کند؟ چه کسی، اگر نه آنها، تبدیل به چیزهای اضافی غیرقابل شکایت می شوند، اولین مدل های هنرمندی هستند که به دنبال کمال هستند، شرکت کنندگان در آزمایش های بی پایان او، آزمایش های مخاطره آمیز او، که طی آن، با رفتن به ناشناخته ها بدون ترس از شکست، نقاش پرتره می تواند اپتیک جدید را امتحان کند. ، تست مواد عکاسی، قرار دادن نور مشکوک، تمرین ژست های جدید، تکنیک های ترکیب بندی، و غیره، و غیره؟ Dowtenday مانند بسیاری از عکاسان تمام نسل‌های آینده مهارت‌های خود را در عکاسی از عزیزان تقویت کرد و خوشبختانه ما تعداد زیادی از این عکس‌ها را در اختیار داشتیم. من نباید وارد تحلیل تاریخ هنر شوم، و داوتندی هرگز خود را هنرمند خطاب نکرد، اما شگفت‌آور است که چقدر زیبا و زیبا چیده شده‌اند عکس‌های او با دختران، پسران، سایر اقوامش، چقدر دقیق و آرام بسیاری از پرتره‌های تکی در اجرای او هستند - همه اینها نه تنها نشانه هایی از مهارت بالا و حس نسبتاً توسعه یافته زیبایی، بلکه همچنین استعداد بی قید و شرط است.
نویسنده بدون تظاهر به مروری کامل بر تمام آثار بازمانده از کارل دوتندی، تنها عکس‌هایی را شناسایی کرد که مراحل اصلی را آشکار و توضیح می‌دهند. فعالیت حرفه ایاستادان و نقاط عطف یک بار شدن حرفه جدید- عکاس. این که آیا موفق شد یا نه به عهده خواننده است که قضاوت کند.
A. Kitaev
منبع http://www.photographer.ru/events/review/6900.htm
عکس های الکساندر کیتایف را می توانید در اینجا ببینید
نمایشگاه الکساندر کیتایف در مرکز عکاسی برادران لومیر به یک رویداد واقعی در زندگی فرهنگی پایتخت تبدیل شده است. کیتایف یکی از عکاسان برجسته سن پترزبورگ، سازمان دهنده و متصدی پروژه های متعدد و اخیراً یک مورخ عکاسی است. در تاریخ برداشت های عکاسی سن پترزبورگ از زمان ایوان بیانچی تا به امروز، او بدون شک با خلق تصویری منحصر به فرد از شهر، جای خود را می گیرد. موضوع اصلی و مورد علاقه کیتایف - پترزبورگ - برای اولین بار در چنین مقیاس بزرگی ارائه می شود. این نمایشگاه شامل 130 اثر اصلی نویسندگی است که در طول یک ربع قرن خلق شده است.
الکساندر کیتایف از مصاحبه های سال های مختلف:
"چنین مفهومی وجود دارد - "چند ابزار"، یعنی شخصی که دارای چندین تخصص کاری است. در عکاسی، من یک "چند سایت" هستم.
"اعتقاد حرفه ای من با سالها تجربه ایجاد شده است: "هرگز آنچه را که امروز مورد تقاضا است انجام نده". کار روی موضوع روز توسط من به عنوان یک دستور تلقی می شود، خشونت علیه خلاقیت آزاد، که باید فقط به حرکات درونی روح پاسخ دهد.
"در یک لحظه خوب متوجه شدم که عکاسی همه چیزهای دیگر را در من جذب کرده است، که علاوه بر ذرات خون قرمز و سفید، خون من شامل هالیدهای نقره حساس به نور نیز می شود و بدون احساس مداوم آنها من قابل دوام نیستم، که عکاسی تبدیل به من شده است. شیوه زندگی، شیوه ادراک و ارتباط. حدود سال 1987 اتفاق افتاد.»
"دوربین باید به امتداد دست تبدیل شود و سر را برای غوطه ور شدن کامل در ایجاد تصویر آزاد کند."
«... سنت پترزبورگ برای من بی‌زمان است، و من سعی می‌کنم هسته معنوی تغییرناپذیر این شهر را به عنوان یک شخصیت منتقل کنم. او متناقض است، این شخص."
پرتره هرگز ناپدید نخواهد شد، زیرا هر فردی در این سیاره در درجه اول به خودش علاقه دارد، خودش در شرایط پیشنهادی یا فرضی. نکته دیگر این است که پرتره برای بازی های روشنفکری و رسمی پست مدرن رایج در هنر امروزی مناسب نیست. اکنون برای بسیاری از هنرمندان مهم است که با صدای بلند "من !!!" را فریاد بزنند. و او حتی اهمیتی نمی دهد که اکو وجود داشته باشد. و در پرتره، هنرمند همیشه در رتبه دوم است، در وهله اول شخصیت است. و پرتره خطاب به فردا، حداقل، روز است. و پرتره حداقل داشتن یک صنعت، یک مدرسه را پیش‌فرض می‌گیرد. و برای هنر معاصرهیچ یک از اینها "مرتبط" نیست. به همین دلیل است که بسیاری از هنرمندان امروزه به پرتره مشغول نیستند. من در عقب هستم. برای من "ارتباط" در رابطه با هنر یک فحش است."
الکساندر کیتایف عکس استانیسلاو چابوتکین
- اسکندر، در سال های اخیر فعالیت نمایشگاهی خود را به شدت کاهش داده اید، نمایشگاه های شخصی شما مانند تعطیلات کمیاب شده است. این نمایشگاه برای شما چه شده است؟
- راستی یک زمانی بود که من هر سال چندین نمایشگاه انفرادی برگزار می کردم، ناگفته نماند که در ده ها نمایشگاه گروهی شرکت کردم. من زیاد عکاسی کردم، زیاد تایپ کردم و دوست داشتم مردم ثمره زحماتم را ببینند. اکنون بیشتر و بیشتر درگیر تاریخ عکاسی و تدریس هستم. زمان کمتری برای برپایی نمایشگاه های خودتان وجود دارد. اما اگر پیشنهاد برپایی نمایشگاه به من داده شود و شرایط به نظرم قابل قبول باشد، موافقم. نمایشگاه کنونی متشکل از چندین سری و سری عکس‌هایی است که در گذشته خلق شده‌اند. هر کدام از این سریال ها تا حدودی مرحله ای از زندگی من بودند، اما با هم هرگز نمایش داده نشدند. بعید است که نمایشگاه را بتوان به عنوان یک نتیجه، بلکه به صورت گذشته نگر تعیین کرد.
- شما بدون شک یکی از مشهورترین عکاسان روسی هستید. آیا چنین محبوبیتی خوشایند است و چگونه می توان با آن زندگی کرد؟
اصطلاح معروف به سختی برای یک عکاس قابل استفاده است. پشت لنز به ندرت مشهورتر از آنهایی است که جلوی لنز هستند. شاید این ویژگی این حرفه باشد. چگونه می توان معماران را به یاد نیاورد؟ آثار هنری آنها دائماً جلوی چشمان ما است، همه ما آنها را تحسین می کنیم و تحسین می کنیم، اما تعداد کمی از چهره ها را مانند نام خالقان به یاد می آورند. در مورد عکاسان هم همینطور است: آنها نور می دهند و تقدیس می کنند جهان، اما خود آنها تقریباً همیشه در سایه می مانند. بنابراین ما فقط می توانیم در مورد محبوبیت بسیار محدود صحبت کنیم، یعنی در مورد شناخته شدن در حلقه خاصی از افرادی که به دلیل ماهیت فعالیت های حرفه ای خود، به نوعی با "مصرف" عکاسی مرتبط هستند.
اینکه من به قول شما «مشهور» (در یک دایره خاص) هستم، به نظرم دو دلیل کاملاً عینی دارد. من مدت زیادی است که عکاسی می کنم و در این مدت یک تغییر طبیعی نسل ها اتفاق افتاده است. و در هر جامعه و حرفه ای همیشه باید یک نفر بزرگ معتبر وجود داشته باشد. در حال حاضر معلوم شد من هستم. بنابراین نکته در هیچ یک از استعدادهای خاص من نیست، بلکه من به سادگی انگیزه خلاقیت اولیه و احساس خودم، نویسنده، را به عنوان یک پیوند کوچک در یک مسابقه رله عکاسی بی پایان حفظ کردم. خب یک جنبه دیگر هم مربوط به زمان است. از حدود آغاز قرن بیست و یکم، با ظهور فناوری های جدید عکاسی، میلیون ها نفر در سراسر جهان به عکاسی پرداخته اند. بسیاری از آنها می خواهند در سرگرمی خود پیشرفت کنند و به دنبال این هستند که از چه کسی یاد بگیرند و توسط چه کسی هدایت شوند. بسیاری از مردم عکس های من را دوست دارند - از اینجا، طبق قانون اعداد بزرگ، و شهرت من.
خوب، در مورد "لطافت" و "چگونه زندگی می کنید"، اینجا، مانند هر مدال، دو طرف وجود دارد. از آنجایی که من در معرض دید هستم، باید به عکس های زیادی نگاه کنم، اغلب عکس های بد. و نه فقط نگاه کنید، بلکه در مورد آنها صحبت کنید، چیزی را توضیح دهید، زیرا آنها برای مشاوره، برای کمک، برای ارزیابی به من مراجعه می کنند. چشم را خسته و کدر می کند. در عین حال، محبوبیت من به من این امکان را می دهد که بسیاری از مسائل را با تلاش و انرژی کمتر حل کنم. چه در مناقصه با خریداران و چه مذاکره با مقامات برای برپایی نمایشگاه ها.
- چگونه یک هنرمند را در خود تربیت کنیم؟
- خیلی به شرایط شروع بستگی دارد: خانواده، دایره اجتماعی، محل تولد، و غیره. من همانطور که می گویند در یک خانواده "ساده" متولد شدم. پدر و مادر من بچه دهقان هستند. پدرش مکانیک ماشین شد و مادرش پرستار شد. بنابراین حلقه اجتماعی در میان اقوام تمایل چندانی به خلاقیت نداشت. اما آنها به من یاد دادند که سخت کوش باشم. در جوانی علاوه بر عکاسی در بسیاری از صنایع دستی تسلط داشتم. برای کار احمقانه، مکانیکی، من همیشه بی علاقه بوده ام و در هر کاردستی چیزی اختراع کردم، رویکرد خلاقانه ای از خود نشان دادم. زمانی که عکاسی در زندگی من برتر شد، متوجه شدم که بدون تغییر دایره اجتماعی خود (و من به عنوان قفل ساز در یک کارخانه کار می کردم)، نمی توانم به تنهایی به هنر تسلط داشته باشم، نه به کاردستی. سپس، در اوایل دهه 1970، به یکی از بهترین کلوپ های عکاسی کشور در آن سال ها پیوستم - باشگاه کاخ فرهنگ ویبورگ (VDK). این اولین قدم بود. بعدها، که قبلاً به عنوان یک عکاس- صنعتگر در یک کارخانه کار می کردم، سخت و سخت روی آموزش خودآموزی بشردوستانه کار کردم. یک قدم دیگر: در سال 1987 به عضویت باشگاه عکس آینه درآمدم، جایی که فضای خلاقانه ای در اوج بود. خوب، پس من خوش شانس بودم: با یک هنرمند فوق العاده و چندمتخصص پاول پوتخین آشنا شدم و دوست شدم. او بود که تحصیلات هنری مرا به پایان رساند.
من متقاعد شده ام که عنوان هنرمند نمی تواند یک نام شخصی باشد. در همه زمان ها و در همه نسل های عکاسان چنین استادانی بوده اند که آثارشان از محدوده عمومی خارج شده است. برای اینکه به نحوی مورد توجه قرار گیرند، معاصران آنها را هنرمند نامیدند تا آنها را از توده عمومی متمایز کنند. قبلاً در جایی گفته بودم که وقتی نمایشگاه های من شروع شد و از بازدیدکنندگان در جهت خود شنیدم: اینجا ، او اینجاست - یک هنرمند ، عصبی به اطراف نگاه کردم و با چشمانم نگاه کردم: این در مورد کیست؟ در مورد من معلوم شد. خیلی عجیب بود. اکنون این عنوان بسیار به خطر افتاده است. دانشگاه های متعدد و دیگر مدارسهنرمندان را همزمان با مهندسان و معلمان تربیت کنید دبیرستان... و بسیاری از کسانی که دوربین را در دست می گیرند بلافاصله برای خود کارت ویزیت سفارش می دهند که در آن نوشته شده است که صاحب آن یک عکاس-هنرمند است. من نمی خواهم به این صفوف بپیوندم. احساس می کنم این روزها همه چیز مثل قبل نیست. مفهوم «عکاس-هنرمند» بیشتر از عبارت «مسافر تراموا» معنا ندارد.
- برای شلیک به پترزبورگ به این شدت، باید آن را خوب بشناسید و احساس کنید. چشم انداز شما از شهر چگونه شکل گرفت؟
- چگونه شکل گرفت؟ سعی می کنم به شما بگویم، فقط فکر نکنید که این یک نوع کار آگاهانه و جوان پسند بود. همه چیز به خودی خود اتفاق افتاد. من همیشه زیاد خوانده ام و درباره پترزبورگ شاعران و نویسندگان بزرگ آثار زیادی نوشته اند که در گنجینه ادبیات جهان گنجانده شده است. وقتی نگاهم را با این یا آن موضوع پترزبورگ - یک میدان، یک خیابان، یک ساختمان و غیره دیدم، قبلاً چیزی از ادبیات درباره آنها می دانستم. اما من همیشه می خواستم بیشتر بدانم - بیوگرافی موضوعی که برایم جالب بود: والدین چه کسانی هستند، چه زمانی متولد شدند، ساعت چند بود؟ برای ارضای این کنجکاوی، باید تاریخ سنت پترزبورگ و به همین دلیل به طور کلی تاریخ مطالعه شد. تاریخچه معماری و معماری پترزبورگ به طور کلی؛ بیوگرافی سازندگان و ساکنان مشهور و از این رو جغرافیا. به طور جداگانه - نمادشناسی سنت پترزبورگ، و از این رو تاریخ هنرهای زیبا... بله، یک مجموعه کامل وجود دارد، شما نمی توانید همه چیز را لیست کنید. برای من یک چیز مسلم است: شهر من و دیدگاه من را شکل داده است. شاید او چیزی را انتخاب کرد. و من به او مدیونم نمی دانم چگونه این اتفاق افتاد، اما، برخلاف بسیاری از هموطنانم، در مبارزه با این یا آن نوآوری در سن پترزبورگ به سنگرها نمی روم. می دانم که «نابغه محل» با هر چیزی که دوست ندارد کنار می آید و بقیه را خدا کنترل می کند. به نظر من بیش از سیصد سال است که در این شهر زندگی می کنم و می دانم که هیچ مداخله تاکتیکی نمی تواند استراتژی آن را تغییر دهد. این او، شهر است که مالک ماست، نه ما!
وقتی شهرم را گرفتم، به فروش تصاویرم فکر نکردم و تقریباً هرگز آن را سفارشی نگرفتم. من خودم همیشه مشتری بودم. و او زندگی و خلاقیت خود را با یک عکاسی متفاوت و کاربردی به دست آورد. فکر می‌کنم اثری روی عکس‌های من گذاشت.
- می توانید عکس هایی را نام ببرید که هنرمند الکساندر کیتایف واقعاً از آنها شروع کرد؟
- می دانی که من در ژانرهای مختلف کار می کنم؟ بنابراین، من آن عکس را به خوبی به یاد دارم، پس از آن به خودم گفتم: اکنون می توانید به پترزبورگ شلیک کنید. یعنی متوجه شدم که توانستم احساس پترزبورگ را که در من زندگی می کرد در ورقه ای با تصویر مجسم کنم. این اتفاق در حدود سال 1982 و پس از بیش از ده سال عکاسی رخ داد. سپس در خودم احساس کردم - و اطرافیانم هنوز ندیده بودند - آنچه در حال تولد بود همان چیزی بود که منتقدان بعداً آن را "کیتایوسکی پترزبورگ" نامیدند. در ژانرهای دیگر هم همینطور بود. با این تفاوت که وقتی عکاسی را در دست گرفتم (حدود سال 1989)، بلافاصله شروع به انجام کاری کردم که به طور قابل توجهی با آنچه در این ژانر توسط پیشینیان من انجام می شد متفاوت بود.
یک بار جوزف برادسکی به دانش آموزان توضیح داد که کار یک شاعر همیشه کار در توسعه، انتخاب است و شاعر به نوعی هرکول است. بهره‌برداری‌های او شعرهای اوست. نمی توان فهمید هرکول چیست، یکی یکی، دو یا سه. هرکول دوازده ساله است. در عکاسی هم همینطور است: نمی‌توان شروع مسیر یا مقیاس عکاس را از روی یک عکس محاسبه کرد. و این کار هرکول نیست - اینکه اعمال خود را شاهکار بنامد ...
- تسلط بی عیب و نقص شما در آهنگسازی یک احساس ذاتی است یا حاصل کار و تجربه چندین ساله؟
- نه یکی و نه دیگری. در اینجا من با توماس مان موافقم: "مهارتی که احساس نیاز درونی به آن می کنید نسبتاً سریع به دست می آید."
عکاسی یعنی بمباران امولسیون (یا ماتریکس) با فوتون. این بمباران همیشه هدفمند نیست. اما حداقل باید این کار را انجام دهید. برای اینکه وارد شیر نشوید و باید مهارت داشتن ترکیب را به دست آورید. شاید این مهارت سریعتر و راحت تر به پترزبورگ ها داده شود. ساکنان دلتای نوا توسط یک فضای هماهنگ شگفت انگیز که توسط معماران درجه یک ایجاد شده احاطه شده اند؛ موزه های سنت پترزبورگ مملو از شاهکارهای هنرهای زیبا هستند که نمونه هایی از ترکیب بندی بی عیب و نقص را ارائه می دهند. همه اینها از کودکی، خواه ناخواه، چشم را تربیت می کند. تنها چیزی که باقی می ماند این است که از ثمرات این تربیت بهره ببرید و دست خود را پر کنید.
باید توجه داشته باشم که به اصطلاح قوانین ترکیب چیزی نیست که یک بار برای همیشه کشف، مطالعه و توصیه شود برای کاربرد ضروری که موفقیت را تضمین می کند. چشم انسان روز به روز مسلح‌تر می‌شود و اصطلاحات کلاسیک قوانین ترکیب‌بندی در زمان طفولیت هنرهای تجسمی، در زمان جعبه ابزار نسبتاً ساده آنها، فرمول‌بندی شدند. "چشم انداز تونال و خطی"، "ریتم"، "مرکز طرح ترکیبی"، "تنوع" و غیره - هیچ کس این را لغو نکرد. با این حال، یک هنرمند مدرن از لنزهای فوق عریض یا فوکوس فوق‌العاده بلند استفاده می‌کند، روی فیلم مادون قرمز عکس می‌گیرد یا با کمک اشعه ایکس به نامرئی نگاه می‌کند، و غیره. این امر باعث می شود تا قوانین ترکیب را خلاقانه رفتار کنیم تا آنها را با دید انسان مدرن تطبیق دهیم. به نظر من، قوانین ترکیب بندی همیشه از واقعیت یک اثر تکمیل شده ناشی می شود. یک هنرمند، کتاب درسی را نخوانده، اما از بالا به چیزی گوش می دهد، اثری عالی خلق می کند. نظریه پرداز می آید، تصویر را به اجزای آن تجزیه می کند، وزن می کند، بررسی می کند، اندازه می گیرد و همه چیز را در قفسه می گذارد. سپس دستور العمل هایی برای به دست آوردن شاهکارها می نویسد.
- تلاش مداوم برای کمال - آیا این تلاش برای چیزی غیر ممکن و دست نیافتنی است؟
- خب نه! فقط میل به دستیابی به حداکثر ممکن. چنگال تنظیم خاصی در من به صدا در می آید که با گوش دادن به آن می فهمم که آیا به آن رسیده ام یا نه. در اینجا، مانند هر هنری، دو جنبه وجود دارد: تکنیک و خود هنر.
از نظر فناوری هم همینطور است. می دانی که من هنوز در فناوری نقره کار می کنم، درست است؟ و بر خلاف دیجیتال، دیجیتال، اجازه نمی دهد یک قدم به عقب برگردید. کل فرآیند عکاسی نقره ای، با چرخه اجباری چند مرحله ای و غیر آنی پردازش تصویر، ریتم خاصی از زندگی را تنظیم می کند. فیلم نقره ای 35 میلی متری فقط شصت و پنج متر "جوش می زند". اما هر بار که با او برخورد می کنید، در مقابل او زانو می زنید. باید به درستی در معرض دید قرار گیرد، و شما نمی توانید فیلم گرفته شده را "پاک کنید" و دوباره آن را در معرض دید قرار دهید. شما نمی توانید توسعه دهید و تعمیر نکنید، ثابت نکنید و آبکشی کنید، آبکشی کنید و خشک نکنید، و غیره. این ما را وادار می کند که فقط به سمت جلو حرکت کنیم، به سمت منفی ایده آل و بی نقص - بالاخره در مرحله دوم، ما باید یک اثر مثبت - به همان اندازه کامل ایجاد کنیم. و در اینجا نیز ظرافت ها، مسئولیت ها و دام های زیادی وجود دارد. در اینجا یک مثال است. کار با کاغذ طبیعی همیشه به دو دست نیاز دارد. این را هر گرافیستی می داند. این گرافیک بود که همیشه احساس می شد و به من یاد دادند که کاغذ، بافت و چگالی آن، رفتار آن در جهات طولی و عرضی را حس کنم. همیشه از ارتباط لمسی با او قدردانی می کردم. و چگونه بی دقتی کار روی کاغذ به آنها توهین کرد و بعد به من! یک خریدار خاص می آید و با یک دست ورق را می گیرد - همه چیز توسط سالن تضمین شده است! من در مورد اثر انگشت صحبت نمی کنم ... بلافاصله می بینید: در مقابل شما یک آماتور با یک جیب پر از کاغذهای گردشی است.
این یک طرف قضیه است. دیگر این که عکاسی که می خواهد دائما خلاق باشد، باید یک دستیار آزمایشگاه را قطره قطره از خودش بیرون بکشد. آه، چه تعداد از همکاران من بر این باورند که پرینت بی نقص یک اثر هنری عکاسی است، به طور کامل فراموش می کنند که یک قطعه به اندازه یک پیام یک محصول نیست. فناوری تولید تصویر امروزه به قدری خوب است که ما کاملاً توسط تصاویر عکاسی از نظر فنی شایسته احاطه شده ایم. با این حال ، اگر آنها چیزی را به تصویر می کشند ، منعکس کننده چیزی هستند ، در بیشتر موارد - دنیای درونی نسبتاً ابتدایی خالق. و به روح و قلب تماشاگر فرهیخته چیزی نمی بخشند. در اینجا دوباره به خود اجازه می‌دهم از برادسکی نقل قول کنم: «یکی از مشکلات اصلی که امروز یک شاعر با آن مواجه است، چه مدرن و چه غیر مدرن، این است که شعر پیش از او - به عبارت دیگر، میراث - آنقدر گسترده بود که به سادگی شک و شبهه ایجاد می‌شود. آیا می توانید چیزی به آن اضافه کنید، پیشینیان خود را اصلاح کنید یا خودتان باقی بمانید. ... اینکه فکر کنید بعد از افرادی مانند تسوتاوا، آخماتووا، اودن، پاسترناک، ماندلشتام، فراست، الیوت ... می توانید از نظر کیفی چیز جدیدی بگویید به این معنی است که یک نوع بسیار با اعتماد به نفس یا بسیار نادان باشید. من خودم را در دسته دوم قرار می دهم. وقتی برای اولین بار شروع به نوشتن می کنید، اطلاعات کمی در مورد آنچه قبل از شما داشته است دارید. فقط در میانه زندگی این دانش را به دست می آورید و به زمین خم می شود یا هیپنوتیزم می کند."
- آیا در ارزیابی آثار خود فقط به خودتان اعتماد دارید؟
- در سال های اخیر سعی می کنم فقط به خودم گوش کنم. قبلاً در مورد چنگال تنظیم داخلی صحبت کرده ام. آهنگ های کمی با من به صورت هماهنگ انجام می شود، اما نمی خواهم با آهنگ دیگران برقصم. من حتی نمی دانم چه چیز دیگری را اینجا اضافه کنم.
اما همیشه لازم نیست فقط از خودتان اطاعت کنید. من داستان زیر را برای شما تعریف می کنم. زمانی که در یک کارخانه کشتی‌سازی عکاس بودم، از تکالیف تولید آزارم می‌داد که مجبورم کرد از عکاسی کاربردی روی کاغذهای عکاسی نقره‌ای گرانبها کپی کنم. به نظرم می رسید که می توانم از هر یک از این ورق ها با سود بیشتری استفاده کنم: برای چاپ روی آن نوعی اثر هنری یا حتی "فاسد ناپذیر". به ویژه هنگامی که اینها گردش مدارهای الکتریکی این یا آن دستگاه یک کشتی زیر آب یا سطحی بودند آزار دهنده بود. از این گذشته ، قبلاً هم تجهیزات فتوکپی و هم دستگاه کپی وجود داشت - سریعتر و ارزان تر. اما نه! خواسته های ملوانان تغییر ناپذیر بود: فقط چاپ نقره! من شروع به درک کردم، و معلوم شد که در یک محیط تهاجمی، تنها فناوری خوب نقره ای قدیمی تصویر را حفظ می کند و در نتیجه به خدمه کمک می کند تا فرار کنند. وقتی صحبت از بقای افراد در شرایط شدید می شود، چگونه می توانید بحث کنید؟ جاه طلبی های هنری من در مقایسه با زندگی مردم چیست؟
- چگونه روابط خود را با همکاران توسعه دادید، آیا تمایلی برای به رسمیت شناختن آنها وجود داشت؟
- در مراحل مختلف به روش های مختلف. روزی روزگاری، اگر صادق نباشیم، مطمئناً شناسایی همکاران مهم بود. و به همین دلیل. مورخان دوران شوروی درباره عکاسان روسیه قبل از انقلاببه عنوان مثال، چنین نوشت: "کار دمیتریف در شرایط دشوار زمان تزار توسعه یافت." حالا اغلب گفته می شود که این و آن در شرایط غیرقابل تحمل "اسکوپ" بزرگ شده اند. برای عکاسان، «شدت شرایط» با به رسمیت نشناختن مطلق عکاسی در میان هنرها توسط نهادهای شوروی تشدید شد. اما ما عکاس ها طور دیگری فکر می کردیم! علاوه بر این، ما در خلاء اطلاعاتی کار می‌کردیم و از کارهای همکاران خارجی‌مان، اعم از پیشینیان و معاصران، اطلاعات بسیار کمی داشتیم و دیدیم. بنابراین، ما مجبور بودیم تا حد زیادی از یکدیگر یاد بگیریم. هیچ متخصص دیگری وجود نداشت! این ویژگی جامعه عکاسی روسیه است. به یاد دارم که چگونه پس از پرسترویکا، جریانی از گالری‌داران، متصدیان، منتقدان هنری از غرب به کشور ما سرازیر شدند و سعی کردند از همکاران روسی خود چیزی در مورد عکاسی معاصر ما بیابند. آنها مات و مبهوت بودند: «چی؟ عکس؟ آیا چنین هنرمندانی وجود دارند؟" یعنی عکاسی مانند سکس نمی توانست در کشور شوروی وجود داشته باشد ...
سپس زمان های دیگر و روابط دیگر آمد. به نحوی نامحسوس، شناخت همکارانم به سراغم آمد. من به تجربه خودم می دانم که حفظ خلوص ادراک و قدردانی از کار دوستان و آشنایان قدیمی چقدر دشوار است. من فاصله میخواهم سپس حداقل کمی شبیه ادراک در قدر مطلق است.
